De nombreux chefs-d'oeuvre de l'époque antique ont survécu grâce aux textes qui les ont décrits. Ces derniers alimentèrent l'art occidental dans sa pratique comme dans sa théorie en véhiculant de nombreux mythes et lieux communs, tels que l'artiste tombant amoureux de son modèle. Etudes sur l'influence de ces lieux communs sur le théories artistiques des époques moderne et contemporaine. ©Electre 2018

Une découverte de l'art moderne et de ses principaux thèmes à travers les grands chefs-d'oeuvre de Monet, Picasso, Van Gogh, Matisse, Bonnard, Derain, entre autres. ©Electre 2021

Présentation des collections internationales de ce musée bruxellois spécialisé dans l'exploration des marges de l'art. Une sélection parmi les 3.500 oeuvres qui y sont conservées depuis les années 1980 permet de découvrir les productions de ces outsiders du monde artistique, notamment des artistes autodidactes, des personnes porteuses d'un handicap mental ou en milieu psychiatrique. ©Electre 2021

Le Quai Branly interroge les relations unissant les arts africains anciens et la scène contemporaine dans sa prochaine exposition, au travers d'un parcours explorant la création contemporaine sous toutes ses formes. Que sont devenues les références africaines désormais classiques dans le monde de la consommation visuelle mondialisée ? Comment ont-elles été réactivées ? Quels sens politiques ou sociaux portent-elles ? L'exposition prend comme point de départ l'exposition « Primitivism » (1984, MoMA de New York) : l'exposition présentait plus de 200 pièces d'Afrique, d'Océanie et d'Amérique aux côtés d'œuvres signées Picasso, Matisse, Nolde ou Giacometti. Elle plaçait ainsi les arts extra-occidentaux en position de faire-valoir des avant-gardes occidentales qui leur avaient alors donné le statut d'œuvre d'art. Beaux Arts Éditions décrypte les relations entre art contemporain et arts africains anciens, la notion de primitif, qui demeure indissociable de la colonisation et l'appropriation de l'art traditionnel par les occidentaux, qui les a dépourvus de ses symboles et significations.

Catalogue d'exposition présentant les typologies des vanités de la fin du XVe siècle à l'époque contemporaine à travers une sélection d'environ 150 œuvres (estampes, gravures, dessins, peintures, sculptures et installations). Il y est question de la finitude de l'existence humaine ainsi que de ses expressions artistiques. ©Electre 2022

Parce qu'elles sont parfois étudiantes en art, parce qu'ils sont parfois autodidactes, enseignantes ou maîtres d'atelier, nombre d'artistes s'interrogent sur la formation artistique. Souvent, ils remettent en question l'école d'art et imaginent des alternatives pédagogiques aux ambitions plus larges : repenser l'apprentissage en général. La formation en art bascule alors vers une recherche utopique d'un art de la formation, inspiré de grands pédagogues comme Maria Montessori, Célestin Freinet ou Paulo Freire. Anti-académiques, libertaires et radicales, les visions des artistes sont d'abord anticonformistes. Elles nous aident à viser la transformation et l'émancipation par de nouvelles formes artistiques, qui sont aussi de nouvelles formes pédagogiques et sociales : participatives, coopératives, critiques, attentives et inclusives. « L'art d'apprendre. Une école des créateurs » explore ces non-écoles, anti-universités, cercles de parole, randonnées pédagogiques ou universités vidéo qui émaillent l'art des années 1960 et 1970, quand la performance devient un modèle d'apprentissage, que les moyens technologiques promettent des réseaux planétaires, que les revendications féministes essaiment et que les luttes environnementales se précisent. D'une intense actualité, ces aventures nécessitent d'être revisitées.

Découvert par Sir Herschel en 1842, le cyanotype est un procédé photographique monochrome ancien, par le biais duquel on obtient un tirage photographique bleu de Prusse. Les qualités inhérentes au procédé – son faible coût, sa simplicité d'utilisation, son adaptabilité à toutes sortes de supports, la pérennité de ses réalisations, sa faible toxicité au regard d'autres procédés alternatifs anciens – lui confèrent des possibilités infinies d'expérimentation et permettent ainsi d'enrichir toute démarche artistique. Ce livre n'est pas un manuel technique. Dix-sept artistes plasticiens contemporains présentent leurs créations dans lesquelles s'expriment l'originalité et la multiplicité de cette technique.

Tour d'horizon de l'art contemporain d'Afrique, de plus en plus représenté sur la scène internationale, avec des artistes nés et vivant pour la plupart sur le continent. Leurs oeuvres reflètent les inspirations, visions, interrogations et revendications autour de thèmes tels que la mondialisation, l'écologie et le genre. Inspiré de l'émission éponyme diffusée sur France 2 entre 2020 et 2021. ©Electre 2022

On doit à Yves Michaud une analyse fondamentale de l'évolution contemporaine de l'Art. Dans le domaine des arts visuels qu'on appelle Art, nous sommes passés d'œuvres (traditionnellement tableaux et sculptures) à des installations, des environnements, des dispositifs multimédias qui enveloppent le spectateur dans des expériences multi-sensorielles. Telle est la « vaporisation de l'art », son passage à l'état gazeux. La seconde évolution, que décrit cet ouvrage, « le triomphe de l'esthétique », c'est le mouvement d'esthétisation générale de nos milieux de vie. Il faut que tout soit « luxe, calme et volupté », plaisant, charmant, lisse, agréable, ou encore excitant, intéressant dans le registre couramment appelé « esthétique ». L'apparition au cours du XVIIIe siècle du concept d'esthétique fut indissociable du changement des expériences que donnaient les arts et de nouvelles formes de la sensibilité. Il en va de même aujourd'hui. L'expérience esthétique a changé : de frontale elle est devenue atmosphérique et se fait sous le signe du plaisir, du sensible et de l'éprouvé. Nous sommes en présence d'une révolution sensible qui rend indispensable une révolution dans « la théorie esthétique », mais la révolution de la sensibilité hyper-esthétique est encore plus importante que celle de la théorie. Le monde des atmosphères n'est plus celui de la perception esthétique. Le monde du Grand Art est mort et bien mort.

Une monographie consacrée à la représentation picturale, du XVIe au XXe siècle, de la musique, des instruments, des gestes, des musiciens, des chanteurs, des lieux de pratique, soulignant la dimension symbolique, religieuse et mythologique de cet univers sonore. Prix coup de coeur 2018 (Prix France Musique des Muses). Prix du Cercle Montherlant 2018. ©Electre 2022