Ce texte, qui met en relation réflexion théorique et création artistique, entend comprendre pourquoi au cours de la contemplation d'une œuvre d'art notre attention dépasse rarement ses qualités formelles, esthétiques ou conceptuelles. Contrairement à d'autres artefacts que nous rencontrons au quotidien, nous identifions les œuvres d'art au fait qu'elles ne satisfont pas des fins utilitaires. Leur place dans le musée ou la galerie en atteste et conduit à faire en sorte qu'elles n'ont pas d'autre rôle que d'attirer notre attention sur leurs caractéristiques propres. On oppose à ce paradigme un mode de réception qui repose sur l'utilisation. Cela suppose un mode de création basé sur des dispositifs susceptibles d'interpeller l'utilisateur au lieu du spectateur.

La question du jugement philosophique, en premier lieu sous sa déclinaison esthétique, doit aujourd'hui être posée dans le contexte d'une globalisation qui s'offre comme privatisation accélérée du monde et esthétisation pathologique du politique et de l'économie. La découverte de la dynamique dialogique de l'art, comme source de l'imagination, par l'idéalisme allemand, a également montré qu'elle était source de la vie mentale, et à l'origine de la vie sociale. Cette dynamique étant nécessairement présente en chaque culture, l'expérience de l'art et le jugement qu'elle instaure appellent la tenue d'un dialogue transculturel. Repenser le jugement esthétique dans ce contexte, c'est aussi faire place à l'hétérogénéité et la pluralité des diverses formes du dire philosophique et s'y montrer hospitalier, à travers la figure du philosophe-artiste tel qu'il défie par sa pratique la réduction de la pensée à la simple discursivité formelle, accueillant dans son propos les ressources de la métaphore, du symbole et de la narration au profit de la création philosophique.Dans ce dire, on découvre qu'une philosophie du jugement se soutient d'une philosophie de l'expression, et qu'elle ouvre l'horizon d'une reconstruction transculturelle de la justice.  

 L'« Art contemporain » est un courant moderne de nature conceptuelle apparu dans les années 1960. La source de sa légitimité est la reconnaissance des médias, des institutions et du marché avant celle du public. Sa qualification de « contemporain » a permis de déclarer obsolètes toutes les autres formes d'expression artistique toujours en vigueur. La révolution technologique du numérique - avec la démo­cratisation de l'ordinateur personnel puis du smartphone, et l'arrivée des réseaux sociaux - a permis la libre circulation des images, révélant progressivement d'autres démarches artistiques que celles officiellement admises et financièrement cotées. Dans cet ouvrage, Aude de Kerros nous propose à la fois un état des lieux et un panorama de l'art actuel. Elle esquisse l'histoire de l'art caché et révèle l'œuvre d'artistes pour la plupart inconnus, parce que « hors circuit officiel ». Au moment propice, alors que la peinture fait son grand retour sur la scène médiatique française depuis 2020, elle dévoile un art longtemps invisibilisé.

Une définition moderne de l'art, qui fait le point des problématiques classiques et contemporaines. Par-delà les polémiques récentes, deux grandes thèses semblent désormais triompher : l'art serait indéfinissable, et les critères d'évaluation des oeuvres subjectifs. Tout dépendrait de la décision de l'artiste et de la réception du public. Qu'en est-il vraiment ? (Livre Hebdo)

Pourquoi prend-on plaisir à dessiner et à regarder des images ? À écouter de la musique, à en faire, à lire et à écrire, à aller au spectacle ? Pour le comprendre, cette investigation nous entraîne vers des territoires inattendus, là où surgissent les idées et se manifeste la création. On y découvre que la joie singulière que procure l'appréciation, ou la création d'une œuvre, correspond à une sorte d'état second, un mode de vigilance aussi indispensable au bon fonctionnement de notre monde mental que le sont le sommeil et les rêves. Une hypothèse novatrice qui explique la présence de l'activité esthétique dans toutes les sociétés humaines et nous offre la possibilité de repenser radicalement notre rapport à l'art, la beauté, l'artiste et la création.

4ème de couv. : "«Un ouvrage universellement connu, le Pantagruel de Rabelais, haut dignitaire de la maçonnerie, contient, sous des apparences bouffonnes, de singulières révélations... A son époque la question sociale passionnait les maçons ; ils travaillaient autant à la ruine de la noblesse et du clergé qu'à angler les choses d'art... Pourquoi, de Montaigne à Sainte-Beuve, la critique s'est-elle trompée sur Rabelais ? Parce qu'elle fut littéraire. Le littérateur ne jure et ne juge que par la chose imprimée, oubliant que le Moyen Age se servit du dessin plus que du langage pour exprimer sa secrète pensée, sans peur ni risque, et que beaucoup d'œuvres de la Renaissance s'expliquent par les arts et métiers. Il faut savoir l'architecture et surtout l'héraldique pour comprendre Rabelais.»

Analyse du sens de l'art occidental, de la préhistoire à Dada. L'auteur explique, époque après époque, le rapport entretenu par l'art avec la vie, de la dépendance de l'homme à une croyance, ce qu'il appelle l'époque religieuse, à la prise de conscience de son identité propre, qu'il nomme la nouvelle renaissance. Cette évolution de l'art trace ainsi un chemin de la prime enfance à la maturité.