"Si Dandrieu est surtout connu pour ses talents d'organiste, ses sonates en trio méritent une place de premier plan dans la musique de chambre de l'époque. Elles montrent une maîtrise du style et une variété de caractères stupéfiantes. Des danses qui débordent d'énergie, un contrepoint espiègle et fougueux entre les trois parties, des mouvements suspendus par leurs retards à l'italienne très expressifs, de l'articulation, des phrasés, du rythme, de la douceur, de la passion... de la vie. Il les publie sous le nom de Premier oeuvre en 1705, à 23 ans, "âge que nous avions quand nous nous sommes rencontrés pour la première fois et avons joué ces sonates : Opus 1 comme titre pour cet album s'est donc imposé naturellement !" disent les membres du Consort. "La sonate en trio voit le jour dans la seconde moitié du XVIIe siècle et Corelli, maître du genre, contribue à son rayonnement à travers toute l'Europe. Les sonates en trio de Dandrieu sont marquées par l'empreinte de Corelli. Et lorsqu'il intitule l'une de ses pièces pour clavecin La Corelli, il s'inscrit comme l'héritier du grand maître italien. Nous nous en sommes emparés, pour en proposer une version en forme de Sonata a tre. " (Electre)

En vue du 300e anniversaire de la naissance de Haydn en 2032, la Fondation Joseph Haydn de Bâle s'est associée au label Alpha Classics pour enregistrer l'intégrale des 107 symphonies du compositeur. Ce projet ambitieux est placé sous la direction artistique de Giovanni Antonini qui en présente aujourd'hui le troisième volume, après deux premiers opus qui ont marqué et reçu de nombreuses récompenses (ffff Télérama / Choc Classica). Voyant la musique de Haydn comme "un kaléidoscope des émotions humaines", Giovanni Antonini a décidé de ne pas aborder les symphonies de manière chronologique, mais de manière thématique... Le chef italien a tenu pour chacun des programmes à jeter des ponts entre les symphonies et d'autres oeuvres. Pour ce volume, il a fait appel à la soprano Francesca Aspromonte pour interpréter le fameux aria Solo e pensoso. (Electre)

"Les sens règnent, et la raison est morte" (Pétrarque). Le flûtiste et fondateur du mythique ensemble italien Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini, aime les voyages musicaux et l'approche discursive de la musique. Il est parti d'une pavane anonyme du 16ème siècle, La morte de la ragione (la mort de la raison) qui évoque selon lui l'loge de la Folie d'Erasme ; l'auteur y distingue deux formes de folie : l'une renvoie à "une douce illusion de l'esprit", l'autre à la folie négative, "celle que les furies vengeresses font surgir des enfers"... Cette succession de peintures musicales nous entraine jusqu'au seuil de l'époque baroque en partant du Puzzle Canon de John Dunstable (1390- vers 1453) dont le manuscrit est une énigme, cheminant par le style "bizarre" d'Alexander Agricola (1446 vers 1506) et son rythme obsessif toujours identique, presque une anticipation de la musique minimaliste... jusqu'à une invitation à l'improvisation, avec la Galliard Battaglia de Scheidt (1587-1654), bataille utilisant un grand nombre de diminutions, pratique d'improvisation de la Renaissance... Cette grande fresque spatio-temporelle de la musique instrumentale trace une sorte d'autoportrait de Giovanni Antonini et de ses complices de toujours. Pour accompagner le disque, un riche livret illustré présente un libre parcours iconographique mêlant tableaux et photos contemporaines... (Electre)

Malgré leur nom à consonance hollandaise, le quatuor fondé par Nicolas Van Kuijk en 2012 est bien français. Mais sa carrière est internationale. Lauréat du concours Wigmore Hall en 2015, Premier Prix et Prix du public à Trondheim en Norvège, artistes BBC New Generation jusqu'en 2017, le Quatuor Van Kuijk a également été repéré par l'Académie du Festival d'Aix en Provence. C'est dans le cadre de son partenariat avec Alpha Classics, qu'il a enregistré ce programme Mozart. C'est évidemment le compositeur idéal pour faire le lien entre la musique de chambre et la raison d'être du Festival d'Aix, l'Opéra. Ce programme mélange un divertimento aux sonorités malicieuses du jeune Mozart de 1772 aux quatuors composés vers 1782 dont le fameux quatuor Les dissonances au début si théâtral. (Electre)

Pour la première fois depuis sa création au XVIII siècle, le Te Deum pour les Victoires de Louis XV d'Henry Madin résonne en 2015 dans la Chapelle Royale de Versailles. Stradivaria, ensemble baroque de Nantes dirigé par Daniel Cuiller, et Les Cris de Paris, choeur de chambre dirigé par Geoffroy Jourdain, reprennent l'oeuvre du compositeur né à Verdun en 1698 et qui fut sousmaître de la Chapelle du Roi à partir de 1738. L'interprétation du Te Deum, le plus long composé sous l'Ancien Régime, est complétée par celle du Diligam te, Domine, l'une des oeuvres principales de Madin qui s'inscrit dans le style du motet à grand choeur. Lors d'un concert unique et immortalisé, les deux oeuvres ont repris vie dans ce lieu historique hautement symbolique et sont présentées aujourd'hui dans la Collection Alpha / Château de Versailles qui compte désormais plus d'une dizaine de titres. (Electre)

Pour célébrer les 30 ans du Concert Spirituel, Hervé Niquet rend hommage au patrimoine musical français des 17 et 18èmes siècles qu'il explore avec passion. Avec la complicité de Benoit Dratwicki et du Centre de Musique Baroque de Versailles qui a fêté lui aussi ses 30 ans en 2018, ils ont imaginé un programme atypique. A l'instar de Louis XIV qui, en 1671, avait demandé à Lully d'imaginer un Ballet des ballets constitué d'extraits de la trentaine de ballets du compositeur qu'il avait auparavant dansés devant la Cour, ils ont conçu un opéra imaginaire, véritable "Opéra des opéras" : une trentaine d'extraits, faisant voisiner le grand répertoire et des raretés - voire des inédits absolus - a été rassemblée pour créer une intrigue autour de trois archétypes du répertoire de l'époque : une princesse amoureuse, une reine magicienne - sa rivale - et un prince valeureux se partagent la scène. (Electre)

Avec cette collection sont présentées les oeuvres pour orchestre de Beethoven dans les salles et théâtres qui ont vu leur création viennoise, et aussi dans les salles de concert où elles furent jouées à l'époque. Quatre des six lieux de création, ainsi que huit autres salles et théâtres viennois où les oeuvres de Beethoven furent jouées de son vivant, existent toujours. Les choix orchestraux sont conformes, tant au niveau de la taille qu'au niveau de l'instrumentation, aux effectifs musicaux mis à la disposition du compositeur. Dans ces performances, certaines dispositions inhabituelles ont été respectées, par exemple celle de placer le choeur devant l'orchestre dans la 9ème symphonie. De plus, le producteur Stephan Reh, restitue avec maîtrise les particularités acoustiques de chacun des lieux. (Electre)

Dans cet opus consacré au poème symphonique, Emmanuel Krivine et l'Orchestre Philharmonique du Luxembourg réunissent deux des plus grands compositeurs du genre. La petite sirène suit la narration d'Andersen. Cette oeuvre a, dit-on, été le moyen pour Zemlinsky d'exorciser son chagrin après qu'Alma Schindler, qu'il aimait follement, ait décidé d'épouser Gustav Mahler. Richard Strauss porta d'une certaine manière à son comble le style du poème symphonique. Ainsi, Les joyeuses facéties de Till l'Espiègle, qui font revivre l'univers d'un personnage de la littérature d'Allemagne du Nord - saltimbanque censé avoir vécu au Moyen Age - transcendent le genre par une verve orchestrale et mélodique, et un renouvellement constant de la forme elle-même. Partition romantique des plus virtuoses, cette oeuvre sarcastique qui s'en prend aux conventions bourgeoises consacra le succès international du compositeur. (Electre)

Le chef Jérémie Rhorer est désormais considéré comme l'un des meilleurs interprètes de la musique de Mozart en général et de ses opéras en particulier. Après avoir dirigé L'Enlèvement au sérail au Festival d'Aix en Provence 2015, il a redonné l'oeuvre lors d'un concert mémorable au Théâtre des Champs Elysées à Paris en septembre 2015, avec son orchestre, le Cercle de l'Harmonie. C'est cet enregistrement exceptionnel, captation live qui restitue toute l'intensité dramatique de l'opéra, que nous vous proposons aujourd'hui. (Electre)

"Depuis quelques années nous nous intéressons aux expérimentations des compositeurs aux confins du langage baroque. La musique des fils Bach et plus particulièrement celle de Carl Philipp Emanuel nous a déjà fascinés, et nous avions la même envie de découvrir et nous laisser surprendre en abordant celle de Geminiani. Nous plonger dans cet opus 7 a été un travail passionnant, interrogeant notre expérience de la musique baroque et suscitant l'enthousiasme de l'ensemble des musiciens de Café Zimmermann." Céline Frisch (Electre)

Pourquoi est-il difficile de jouer la musique de François Couperin alors qu'elle semble si simple au premier coup d'oeil ? En nous livrant, dans son Art de toucher le clavecin, de précieuses informations sur l'interprétation de sa musique (et plus généralement sur l'interprétation de la musique française de son époque), Couperin apporte des éléments de réponse nécessaires à l'interprète actuel qui cherche avant tout à respecter les intentions du compositeur. Cependant, la crainte de ne pas outrepasser les indications données par ce dernier et une trop grande attention portée à chaque détail peuvent opprimer le souffle et éloigner du propos des oeuvres. (... ) Sa musique est d'une interprétation, comme la langue française, faite de règles mais aussi de nombreuses exceptions. Les grammaires et les dictionnaires contemporains nous donnent pour tout cela des réponses complètes, arrêtées, infaillibles. Il en était bien autrement à l'époque... (Electre)

Forts du succès de leur premier enregistrement consacré aux sonates pour violon et piano de Beethoven, Diapason d'or de l'année et Choc de Classica, Lorenzo Gatto et Julien Libeer poursuivent leur intégrale. (Electre)

Jouer le répertoire exigeant et toujours en mouvement du quatuor à cordes suffit à bien remplir quatre vies. Portés par cet héritage, le quatuor a souhaité explorer des terres moins connues. Dès les premières années du 20ème siècle, Bartók et Kodaly parcouraient les villages de Hongrie et de Roumanie, recueillant, transcrivant et enregistrant des centaines de mélodies et chants populaires. Forts de plusieurs rencontres avec des sommités du jazz et de la musique du monde, ils ont fait appel à cinq compositeurs instrumentistes afin qu'ils nous écrivent des pièces inspirées d'univers musicaux qui leur sont proches. A ces compositions inédites ils ont voulu enregistrer Escalay, du joueur de oud égyptien Hamza el Din décédé en 2006, clin d'oil au quatuor Kronos dont la démarche nous inspire. (Electre)

Ala croisée du romantisme de Berlioz et de Franck, du langage wagnérien et du symbolisme du jeune Debussy, Ernest Chausson est une figure singulière de la musique française. Le Poème de l'amour et de la mer, partition unique dans le paysage musical de l'époque, certainement son chef-d'oeuvre, à la fois cantate profane, monologue, cycle de mélodies, est composé entre 1882 et 1892, sur des poèmes de Maurice Bouchor, ami de longue date de Chausson. Dès 1886 cependant, la dernière section de la partition, Le temps des lilas, est publiée isolément en tant que mélodie pour voix et piano. Véronique Gens enregistre ce cycle pour la première fois, mais elle a déjà gravé Le temps des lilas avec Susan Manoff au piano pour son disque Néère. (Electre)

George Gershwin compose sa Rhapsody in blue en 1924. La même année, il démarre sa collaboration avec son frère Ira, qui donnera lieu à d'innombrables songs. Il ne réussira jamais à étudier avec Maurice Ravel mais sera toujours fasciné par le poème symphonique et le concerto et ses chefs-d'oeuvre comme An american in Paris ou son opéra Porgy and Bess, viendront enrichir le patrimoine musical américain. Jos van Immerseel a toujours été fasciné par Gershwin, mais c'est à l'occasion d'une nouvelle édition des partitions que le pianiste et chef a décidé d'enregistrer cet immense hommage. Grâce aux toutes dernières recherches menées par l'Université du Michigan, la Library of Congress et le Gershwin Estate, lui et ses complices d'Anima Eterna sont allés au plus près des intentions du compositeur et ont utilisé des instruments adéquats. (Electre)

Plus de 12 ans après une première incursion dans la musique de Brahms, le Quatuor Belcea signe ici une anthologie de ses quatuors très attendue. Le style puissant et le sens de l'architecture sonore sont autant d'atouts le plus souvent attribués aux Belcea, qui font désormais partie de l'élite mondiale du quatuor à cordes. Ces caractéristiques s'épanouissent pleinement dans la musique de Brahms. Pour le quintette avec piano, les Belcea sont rejoints par Till Fellner. Disciple d'Alfred Brendel, le pianiste autrichien est l'un des plus respectés aujourd'hui, alliant grâce, rigueur et intelligence musicale. (Electre)

"Faire dialoguer Bach et Coltrane était pour moi une manière de les mettre en résonance plus que de transformer leurs oeuvres, de les révéler l'un à l'autre et l'un par l'autre. Il me paraissait intéressant de voir comment leurs musiques pouvaient s'interpénétrer, aujourd'hui au XXIe siècle. Coltrane nous montre que nous pouvons improviser sur Bach, et Bach nous confirme que les compositions de Coltrane tiennent la comparaison par rapport à ses oeuvres. Pour moi, le travail de réactualisation se place à ce niveau". Raphaël Imbert (Electre) (Electre)

Réduire les distances entre classique et Broadway, entre ancien et nouveau monde. Ce programme est d'abord le résultat d'une rencontre entre deux artistes : Kate Lindsey, chanteuse lyrique qui excelle dans Mozart ou Purcell mais a grandi avec les musiques de Broadway, de Gershwin à Cole Porter ; Baptiste Trotignon, pianiste jazz multi-récompensé, qui a partagé la scène avec de grands noms tels que Brad Mehldau ou Tom Harrell, mais qui s'est toujours intéressé au classique et a même composé un concerto pour piano et orchestre créé par Nicholas Angelich. Ensemble, ils ont construit un programme autour des songs de Kurt Weill, de Nanna's lied à Trouble man, en passant par les standards de l'Opéra de quatre sous, de Lost in the stars. Pour ce voyage en trois langues aux prémices du jazz, Baptiste Trotignon a réarrangé les parties de piano et improvisé sur certaines chansons. Les deux artistes rendent également hommage à trois compositeurs qui, comme Weill, ont émigré aux Etats-Unis : Alma Mahler, Zemlinsky et Korngold. (Electre)

La vie de Stradella, assassiné à 42 ans sur une place de Gênes sur ordre d'un amant jaloux, est un véritable mythe qui inspira plusieurs romans et opéras. L'aventureux, le rebelle et surtout le Don Juan, dont les frasques amoureuses, de l'enlèvement d'une novice dans un couvent à Florence à une fuite à travers l'Italie avec une grande dame fiancée à un sénateur, ne furent jamais un frein à une carrière musicale florissante. Il est aisé d'imaginer que sa trépidante vie a inspiré ces fascinantes figures de femmes qui abondent dans son ouvre, magnifiées par une écriture vocale techniquement redoutable, aussi exubérante et virtuose qu'elle peut être parfois sobre et éthérée. De la sulfureuse Salomé à Arianna, l'épouse modèle que le désespoir rend furie ; de Pelagia, la pécheresse repentie qui passe la fin de ses jours déguisée en homme dans une caverne, à Susanna, l'innocence et la pureté même, ce programme présente des portraits de femmes que Chantal Santon incarne tour à tour avec tout son art, sa connaissance intime de ces répertoires et son sens de la scène. (Electre)

Après un premier enregistrement chez Alpha consacré à Brahms qui a reçu tous les éloges, voici le duo réuni à nouveau pour un autre sommet de la musique de chambre : Schubert, avec la fameuse Sonate Arpeggione - du nom de cet instrument tombé en désuétude à mi-chemin entre la guitare et le violoncelle - et le non moins fameux Trio n°2 D. 929 rendu encore plus célèbre par le film de Stanley Kubrick, Barry Lindon. Pour cette pièce, le duo est rejoint par une grande musicienne avec laquelle ils aiment jouer, Antje Weithaas, une des pédagogues les plus recherchées par la jeune génération. (Electre)

Après un premier disque consacré aux quatuors de Mozart, le quatuor fondé par Nicolas Van Kuijk retourne à ses racines en abordant les ouvres phares du répertoire français : les uniques quatuors de Maurice Ravel et de Claude Debussy ainsi que la Chanson perpétuelle d'Ernest Chausson, accompagnés par la mezzo-soprano Kate Lindsey, qui vient de rejoindre le label Alpha et le pianiste Alphonse Cemin, lui aussi habitué. (Electre)

Cet enregistrement est le fruit de la rencontre réussie entre la flûtiste et le quatuor Voce et s'est déroulée dans le cadre inspirant de la Ferme de Villefavard dans le Limousin. En route pour Paris, Mozart séjourne à Mannheim en 1777 et obtient une commande de plusieurs ouvres de la part d'un flûtiste amateur qui est également un riche et distingué chirurgien anciennement engagé dans la Compagnie hollandaise des Indes Orientales. La flûte s'impose indéniablement comme instrument soliste dans ces partitions imprégnées d'écriture concertante et de style galant caractéristiques du goût de la cour de Mannheim à cette époque. Certains quatuors seront composés plus tardivement à Vienne, tel le jovial K. 298 dont chaque mouvement reprend un air connu, varié ou parodié par Mozart. (Electre)

Les deux cardinaux Benedetto Pamphili et Pietro Ottoboni jouèrent un rôle de premier plan au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles en accueillant à Rome les trois musiciens les plus importants de l'époque : Corelli, Alessandro Scarlatti et Händel. De très nombreux musiciens convergent alors vers Rome et l'important orchestre que dirigeait Arcangelo Corelli à Saint-Louis des Français compte plusieurs violoncellistes fameux dont G. L. Lulier, N. F. Haym, F. Amadei et G. M. Perroni. Virtuoses remarquables, ceux-ci étaient souvent également des compositeurs d'oratorios, de musique vocale et aussi de quelques pièces pour leur instrument favori dont très peu nous sont parvenues. Ce sont leurs musiques, souvent inédites, que Marco Ceccato et son Accademia, couronnés d'un Diapason d'Or de l'Année en 2015, nous font découvrir ici, ainsi que des oeuvres de ceux qui ont pris la suite de ce groupe après le départ de Händel pour Londres : G. Bononcini, P.G.P. Boni, G.B. Costanzi, qui sera le Maître de Boccherini. (Electre)

L'art baroque français cultive simultanément le grandiose et le modeste. Aux fastes des architectures royales abritant motets et opéras répondent les espaces clos des salons et leurs musiques intimes. Après un disque consacré aux brunettes et contredanses du XVIIIème siècle, les Musiciens de Saint-Julien font découvrir dans cet enregistrement l'usage savant et raffiné que les compositeurs des années 1715-1740 firent de la musette et de la flûte traversière, à travers suites françaises et sonates italianisantes. (Electre)

2017 marquera les 250 ans de la mort de Georg Philipp Telemann, un des plus prolifiques compositeurs de l'époque baroque. Giovanni Antonini et le Giardino Armonico ont ainsi voulu rendre hommage à l'écriture éclectique de Telemann avec ce programme qui mêle des oeuvres évoluant sans cesse entre traditions stylistiques françaises et italiennes. Dans ce disque, Giovanni Antonini, en plus d'être à la direction d'orchestre, renoue avec la flûte à bec, son instrument de prédilection - qui était également celui du compositeur - et interprète la Suite en la mineur ainsi que le Concerto en do majeur et le Concerto da camera en sol mineur. On découvre également la curiosité d'une Sonate pour chalumeaux, instruments d'origine populaire qui peuvent se comparer à la clarinette et pour lesquels le compositeur fut le premier à manifester de l'intérêt. (Electre)

Depuis son premier Prix au concours de Bruges et son premier album consacré à la famille Forqueray (Choc de l'Année Classica, Gramophone Editor's Choice, Grand Prix de l'Académie Charles Cros), le claveciniste franco-américain Justin Taylor s'est vu décerner par l'Association Professionnelle de la Critique le Prix Révélation Musicale. Sa carrière se développe rapidement, tant comme soliste (claveciniste et aussi pianofortiste) que comme chef de son ensemble, le Taylor Consort. Pour son deuxième récital, Taylor met en miroir Scarlatti et Ligeti, deux compositeurs provenant d'époques et d'univers si éloignés, et qui pourtant présentent de nombreuses affinités : de par leur inventivité, de par la virtuosité de leur deux langages et leur désir commun d'amener le clavier au plus près de ses limites... Continuum établit un pont entre ces deux compositeurs aux sensibilités exacerbées, entremêlant de façon intime les trois pièces emblématiques (et spectaculaires !) pour clavecin seul de Ligeti avec des sonates de Scarlatti. (Electre)